Thoma Ryse

Le théâtre du monde

2011-09-27T03:09:00.002+08:00

« Nathalie et Alexandre Callay présentent le théâtre du monde » est une exposition née d’une rencontre à Miami en 2008, d’échanges entre un couple de collectionneurs et Lydie Marchi, directrice de la galerie nomade Saffir. Cette rencontre a donné lieu à une proposition d’une carte blanche offerte au mois de juin dernier. Au sein de cette carte blanche, une seconde carte blanche a été donnée à l’artiste Thoma Ryse pour la scénographie de l’exposition mais aussi pour la proposition des deux portraits des commanditaires de cette exposition, à savoir Nathalie et Alexandre Callay. Ces portraits sont nés d’un travail à partir d’une numérisation de photos issues du projet de JR « Inside Out » réalisées au sein des photomatons se trouvant à Arles durant les Rencontres Photographiques. Thoma Ryse travailla à partir de ces deux photos pour réaliser un portrait de chacun des deux collectionneurs, qu’il a complété grâce à un questionnaire en dix points qui lui permet de définir une certaine part de la personnalité de chacun. Ainsi, il nous donne à voir Nathalie Callay en Sainte et Alexandre Callay sous le joug de Marcel Duchamp.

Ces portraits sont des manifestes d'une époque qui s'affranchit des limites imposées par la règle des trois unités (temps, lieu et action) et offre à chacun de nous la possibilité d'être co-auteur d'une action artistique et plus généralement auteur de sa vie. La fin des trois unités est incarnée par l'utilisation des réseaux sociaux comme un des lieux de création et de pratique artistique, placée sous le signe de la continuité et de l'ubiquité. Le réel qui s'invente ici et ailleurs, permet à l'art de se renouveler dans un paradigme post-duchampien où la véritable limite n'est pas celle du "toujours plus" mais celle que nous portons en nous. La présentation du "Théâtre du monde" au sein de Cultog est une représentation de cette réalité en construction où l'oeuvre est le process et l'image offerte un témoin des étapes parcourues."

Newsletter Juin 2011

2011-06-26T23:43:00.000+08:00

Art à la pointe 2010 : interview de Thoma Ryse

2011-02-07T04:11:00.004+08:00

Thoma Ryse interviewé dans le cadre de l'Art à la pointe 2010

"Hommage à Niki"

2011-01-24T04:34:00.001+08:00

Newsletter Août 2010

2010-08-23T05:11:00.001+08:00

June Newsletter

2010-06-28T01:40:00.001+08:00

Slick 09

2009-10-29T05:17:00.001+08:00

September Newsletter

2009-09-16T04:28:00.004+08:00

Chaos - oeuvre exposée à la Winery

2009-07-01T05:16:00.001+08:00

June Newsletter

2009-06-02T05:22:00.001+08:00

La Winery : le lien ci-dessous !

2009-05-31T01:31:00.004+08:00

Thoma Ryse at the Winery: June 25!

Thoma Ryse in Belgium: SculpTour 2009

2009-05-25T03:47:00.001+08:00

Art in Progress for Philippe Raoux's "Winery"

2009-05-21T03:28:00.006+08:00

Thoma Ryse's Chantilly opening

2009-05-08T02:57:00.004+08:00

L'oeuvre de Thoma Ryse se caractérise par la volonté de lutter contre une morosité ambiante inscrite bien avant la crise actuelle si l'on en croit le nombre impressionnant d'œuvres aux couleurs sombres et traitant de thèmes mortuaires voire morbides. Si le noir est une couleur comme le souligne Pierre Soulages, très peu ont su l'utiliser parmi ses contemporains pour la rendre aussi lumineuse. Thoma, lui, prend le parti opposé, celui de remettre sur le devant de la scène une palette trop longtemps oubliée ou peu utilisée. Il nous rappelle que la vie est une chance et que la plupart d'entre nous devrait être heureux de vivre, malgré les aléas de la vie qui frappent les uns et les autres. Il nous impose cette pétition de principe avec la bonne humeur qu'inspirent des couleurs joyeuses.

A cette palette se joignent des formes empruntées à ses maîtres (Matisse et Kandinsky notamment) avec toutefois une harmonie qui lui est propre et rend son travail identifiable au premier coup d'oeil : aux couleurs franches, répondent des formes voluptueuses mais aussi plus rectilignes se confrontant les unes aux autres. Le balancier de la vie oscille en effet entre des opposés dont ces formes faussement disposées de manière aléatoire en sont une expression.

Avec cette sculpture, Thoma cherche aussi à défier deux états :
• celui qui nous lie à la terre du fait de l'attraction terrestre. Tournée vers le haut comme le V de la victoire, cette œuvre cherche à nous élever.
• celui qui laisse croire qu'une sculpture ne peut être peinture (et vice versa). Opposition millénaire qui tourne court chez Thoma puisque l'une est l'autre, et inversement.

L'artiste prouve par ailleurs qu'il est cet enfant que tous nous souhaiterions rester malgré notre âge adulte : Cette sculpture-peinture nous rappelle bien entendu les bouées de nos bains estivaux mais aussi les jeux d'adresse où nous devions enquiller des anneaux. Puisque l'époque est aux jouets pour adultes, Thoma nous fait avec cette œuvre un cadeau nous rappelant des souvenirs d'enfance. Et ces souvenirs ne sont pas uniquement de l'ordre de la détente mais aussi de la gourmandise : Thoma, artiste des plaisirs terrestres, nous remémore ainsi les « donuts » vendus sur les plages (et ailleurs), sucrés ou nature.

Avec cette œuvre, il évoque enfin notre condition d'Homme qui accumule les expériences et les savoirs sans jamais faire disparaître de notre patrimoine certaines étapes nécessaires à notre construit. Nous sommes le fruit de ces apprentissages qui se complètent sans se détruire. La sédimentation est notre signature...qu'il s'agisse de notre patrimoine génétique ou de celui d'une vie. Cette oeuvre haute en couleur en est l'expression !

Alexandre Callay, Neuilly sur seine, 7 mai 2009

March Newsletter

2009-03-25T05:51:00.000+08:00

November Newsletter

2008-12-02T04:48:00.000+08:00

September Newsletter

2008-10-04T13:28:00.001+08:00

Made in Color - Chapelle des Ursulines

2008-08-30T04:09:00.003+08:00

Newsletter : Juillet 2008

2008-07-13T04:19:00.001+08:00

Newsletter : Mai 2008

2008-05-19T00:44:00.001+08:00

Alterité

2008-05-13T03:22:00.001+08:00

L'Art qui repose version 2008 !

2008-05-13T03:17:00.000+08:00

2008 Beijing: April 6th - June 6th

2008-04-06T13:51:00.000+08:00

Thoma in Imagine Gallery: Color Party

2008-03-22T16:16:00.001+08:00

Critical Mass Exhibition Opening (Beijing)

2008-03-16T19:30:00.002+08:00

Critical Mass Exhibition (Beijing)

2008-03-16T17:24:00.000+08:00

FESTIVAL DE BANNIÈRES

2008-02-24T07:22:00.001+08:00

Du 1er au 31 mars

Pour la 3e année consécutive, la ville de Chantilly et le centre culturel Marguerite Dembreville organisent le Festival de Bannières.

Quarante artistes de France et de Belgique choisis pour leur capacité à exprimer leur talent sur une grande toile, ont peint quarante œuvres qui sont accrochées
sur les lampadaires de l'avenue Joffre.

Cette avenue, lieu de promenade très apprécié, va, à la sortie de l'hiver se parer des couleurs annonciatrices du printemps et offrir aux passants la joie de découvrir des œuvres originales sous la forme de bannières d'un format de 200 x 80 cm.

Les quatorze artistes belges sélectionnés sont originaires de Watermael-Boitsfort
ville jumelée avec Chantilly

Une vingtaine de classes participent au " Festival off " et présentent des bannières de mêmes dimensions au Centre culturel Marguerite Dembreville

Avenue Joffre — Chantilly
Centre culturel Marguerite Dembreville
34, rue d'Aumale — www.ccmdchantilly.com

Galerie Suty : Noir Blanc, 10 peintres, 2 photographes

2008-01-07T03:30:00.000+08:00

Art Which Reposes (#2)

2008-01-06T13:54:00.000+08:00

Galerie Suty : petits formats entre amis

2007-12-09T03:33:00.000+08:00

Thoma in Brittany

2007-07-06T03:08:00.001+08:00

Chine - Bretagne

2007-06-07T14:43:00.001+08:00

Thoma @ CIGE in Beijing

2007-05-03T03:38:00.000+08:00

CIGE 2007 in a Bag

2007-04-21T15:28:00.000+08:00

Works in Progress

2007-03-21T14:01:00.001+08:00

My New Studio in Brittany

2007-03-12T14:39:00.000+08:00

Sculptures

2007-03-05T04:27:00.001+08:00

Thoma in Suty Gallery (France)

2007-01-15T03:58:00.001+08:00

Thoma on Wuhan TV (2006, Part II)

2006-12-19T06:28:00.000+08:00

Thoma on Wuhan TV (2006, Part II)
Uploaded by acallay

Thoma on Wuhan TV (2006, Part I)

2006-12-18T12:08:00.000+08:00

Thoma on Wuhan TV (2006, Part I)
Uploaded by acallay

Thoma Ryse's Opening in Shui On Space (Wuhan, Dec. 12th, 2006)

2006-12-18T00:04:00.000+08:00

Marina Chen Li Wen, Vincent Lo, Thoma Ryse, Freddy Lee, Louis Wong

Opening @ Wuhan Shui On Space (December 12, 2006)

2006-12-17T23:39:00.000+08:00

Selected Paintings (Wuhan, 2006)

2006-12-17T23:34:00.001+08:00

Quotidien du Hubei, le 13 décembre 2006

2006-12-16T03:48:00.000+08:00

L’exposition « Un rêve fait à Wuhan » de l’artiste français Thoma RYSE a été inaugurée le 12 décembre 2006 au Salon de Wuhan Tiandi par M. LI Xiansheng, Maire de Wuhan, et M. Christian JOLYOT, Consul adjoint de France à Wuhan.

Les couleurs vives des tableaux de M. RYSE, qui ont tous été réalisés à Wuhan, témoignent de son attachement personnel à cette ville, qu’il définit comme « la ville du printemps ».

Installation in Progress (Wuhan, 2006)

2006-12-15T23:45:00.000+08:00

3 Finished Paintings For Wuhan

2006-12-05T20:41:00.001+08:00

Paintings in Progress

2006-11-20T15:42:00.000+08:00

In "lecridelormeau.com"

2006-11-13T05:01:00.000+08:00

A tous ceux qui ont du mal à émerger le matin et pour qui la journée ne commence qu’à 12h, quand les paupières parviennent enfin à rester ouvertes : allez voir une exposition de Thoma Ryse !

Et oui, parce que croyez-moi, cet artiste, originaire de Toulouse, a le don de nous faire écarquiller les yeux devant ses œuvres ! Des couleurs, très vives, très gaies ornent ses toiles. Elles nous réveillent et nous donnent la pêche ! Thoma Ryse nous transmet une joie de vivre et un dynamisme sans précédent.

En plus de cette gaieté contagieuse, l’artiste nous surprend ! Afin de détourner la peinture de son contexte habituel, il a peint des colonnes en haut desquelles trône un poisson rouge dans un bocal !

Effectivement, ce Thoma Ryse n’a pas fini de nous plaire avec ses jolies couleurs et son sens artistique.

A. Levron

3 Colors

2006-11-12T02:30:00.000+08:00

Thoma in Ouest France (November 5th)

2006-11-06T01:16:00.000+08:00

Une allégorie de la peinture post impressionniste

2006-10-31T00:21:00.000+08:00

Figurer ! à quoi bon ? Dans le jardin de Thoma Ryse, la réalité est tout autre. Son jardin est à n'en pas douter une allégorie de la peinture post impressionniste.

J'apprécie beaucoup la gaîté du travail de Thoma Ryse, sa dimension ludique. Il réalise à mon avis quelque chose d'extrèmement difficile en parvenant à inscrire son projet dans l'histoire de la peinture, tout en exécutant des oeuvres qui s'échappent souvent du rectangle de la toile ou du papier. C'est une gageure de prolonger le travail d'un artiste aussi présent dans notre imaginaire que Matisse par exemple. Il arrive à Thoma Ryse de peindre des cubes ou des murs et de donner suffisamment d'originalité et de nécessité à son travail pour que celui-ci ne puisse pas être réduit à une entreprise de décoration. Il y a une touche de baroque, me semble-t-il dans cet univers plein de vitalité , d'énergie où les éléments d'architecture sont parfois envahissants, volontiers bousculés, où les espaces colorés nous rappellent tour à tour les "Nymphéas" de Monet et les "all over" de Pollock.

Une exposition à voir absolument du 22 septembre au 12 novembre à la galerie Ty Art Show à Perros Guirec

Catherin Plassart (Art Point France)

Thoma at the 4th Art Festival of Perros-Guirec

2006-10-30T19:02:00.000+08:00

Shui On Project in Wuhan (China)

2006-10-22T19:01:00.000+08:00

Thoma currently prepares an exhibition sponsored by Shui On Group.
The opening ceremony will take place on December 9th in Wuhan.

Thoma working in Wuhan (China)

2006-10-22T18:57:00.000+08:00

4th Perros-Guirec Art Festival with Thoma

2006-10-14T18:47:00.000+08:00

Telegramme de Brest (1/10/2006)

2006-10-02T04:03:00.000+08:00

Thoma at TY ART SHOW

2006-09-26T04:56:00.000+08:00

Laissez-moi quelques instants…

2006-08-30T13:30:00.000+08:00

Laissez-moi quelques instants…Si j’ai choisi la peinture, c’est peut-être pour ne pas être enfermé dans les mots. Les mots sont clos, bruyants, bavards. Seuls les mots de la poésie sont libres, ouverts, généreux.

La peinture, c’est le silence, le désert, la fixité.
Déposer de la couleur sur un support, c’est un acte bête, gratuit, sans utilité immédiate, mais c’est aussi et surtout un acte de résistance à toutes les injonctions utilitaristes que me fait le système.

Ma peinture, c’est ma liberté. Si j’accepte dans ma peinture de dire “je”, c’est parce que je sais que je suis aussi “l’autre” “vous”, c’est ce qui m’autorise à avoir ce culot et à vouloir la partager avec vous.

Comme beaucoup d’autres peintres, je me pose la question de savoir comment rendre tangible la perception du temps. Peindre, c’est être obsédé par le temps.

Roman Opalka mène depuis 1965 une méditation sur le déroulement du temps en alignant sur la toile avec un pinceau n°0 la série des Détails. Commencé avec le 1, il s’est fixé comme objectif d’aller jusqu’à un infini qui sera déterminé par sa mort.

On Kawara a commencé le 4 janvier 1966 la série des Aujourd’hui et des peintures datées. Sur un fond monochrome à l’acrylique, il indique la date de fabrication de la toile. Si à minuit elle n’est pas terminée, elle est détruite.

Ces deux très grands artistes ont une vision sombre et pessimiste du déroulement du temps.
Pour ma part, même si je sais que chaque toile, chaque forme peinte, chaque coulée de peinture, chaque coup de pinceaux sont la marque indélébile du départ d’un instant, je garde un sens de l’émerveillement devant ce flux incessant de parcelles de temps qui constituent la vie. Je refuse à m’enfoncer dans l’obscurité froide du monde, pour nager à la surface de la couleur, m’y baigner lontemps, très longtemps.

Dans mon travail j’apporte une extrême attention à ces éclats de temps qui sont le “sens” de l’expérience de peindre. Je les vénère dans leur rareté, je m’efforce d’en conserver la trace pour pouvoir la partager avec ceux qui trop occupés à courir après le temps en ont oublié le constituant premier. Mon souci est de rendre visible mon attachement émotif à cet agrégat d’instants. Je collecte, je guette, j’assemble ces morceaux de temps pour les enclore et piéger leur intensité, leur énergie, dont je me nourris pour en faire une construction durable, éternelle.

Pas de narration, pas de programme à respecter, pas d’alphabet pré-choisi à utiliser, pas de règles à suivre scrupuleusement, mais l’obsession de faire partager ces moments ce qui va bien au-delà de la perception rétinienne. C’est une perception corporelle entière, complète.

Pour ouvrir ma vision, il me faut percer ce mur de brume que représente la toile.

Cette ouverture passe, ce qui est un paradoxe, par le recouvrement. Plus je couvre le support, plus je vois. Plus je vois, plus j’ai le sentiment de comprendre ces instants qui s’agglutinent. Le résultat espéré est de parvenir à aller au-delà de ce je vois. Il y a probablement une certaine forme de nostalgie de ce qui ne sera plus mais aussi l’attente fébrile de ce qui adviendra. Une attente obstinée, lucide de ce moment magique, transcendant où le tableau arrive à me faire comprendre le monde parce que brièvement je le rencontre.

J’aime faire appel à la mémoire de la main et du corps, ne pas me laisser guider par le seul concept. L’art validé par le seul concept ne me suffit pas. Il me faut me coltiner la matière, c’est pour moi une nécessité corporelle et spirituelle. La lenteur, la fragilité du “fait main”, c’est une véritable excitation physique, une expérience de perception sensorielle.

Je suis totalement influencé par ce que je vois, par ce que je sens, — les paysages — les villes — le climat — la lumière — le bruit — les odeurs — mes rencontres — mes conversations. Dans mon travail il y a tout ça, mais sans représentation directe, mais plutôt ce qui reste en moi de ces expériences. C’est ce qu’en anglais on nomme “feeling”.

Le choix des couleurs, des formats, du support, ne correspond à aucune règle pré-établie. Tout est fonction des circonstances, du lieu, des facilités d’approvisionnement. Pour les couleurs par exemple je m’arrange avec ce que j’ai en stock. C’est un peu comme lorsque vous êtes invité à une soirée. Vous retrouvez des connaissances, rencontrer aussi, des personnes que vous ne connaissez pas et qui peut-être ne correspondent pas à vos goûts. Si vous voulez que la soirée soit réussie vous vous arrangez pour harmoniser, équilibrer ce qui au départ semblait ne pas pouvoir l’être. Alors au bout d’un moment vous vous faites de nouveaux amis et sur une période vous vous voyez souvent. Avec les couleurs c’est la même chose. Plus tard vous rencontrez un nouveau groupe d’amis et vous délaissez un peu les premiers.

J’aime sortir quelquefois de l’espace limité des œuvres traditionnelles pour parasiter un lieu plus que pour l’investir. L’investir signifierait à mes yeux le soumettre, alors qu’il n’est question que de le déranger, de le sortir de sa torpeur.Mais cette démarche ne doit pas être systématique(dans le sens de système) elle doit être uniquement intuitive, presque spontanée. Il ne s’agit pas de décorer (bien que pour moi ce ne soit pas un gros mot), ni d’habiller un lieu mais plus prosaïquement de le réveiller avec le bruit de la couleur.

Dans mon travail, je reste pour l’instant encore prisonnier de la planéité, mais sans vouloir faire œuvre de sculpteur, je cherche à sortir de la peinture(avec beaucoup d’autres) de son enfermement. La peinture doit devenir tactile et pourquoi pas odorante, sortir de la planéité (ce qui est déjà fait), abandonner les matières dures, se rapprocher d’une peinture “peau” que l’on prend plaisir à caresser et avec elle, le cœur du monde. Mais pour ce faire, pour que ce miracle se réalise, il faut devenir pour un instant pure coulée de peinture, jouir sur la toile, de ce cadeau, de cet instant qui déjà n’est plus et qui se nomme la vie.

J’ai compris depuis longtemps déjà qu’il n’y avait pas d’explication, qu’il n’y en aurait jamais, pas d’énigme, pas de mystère, juste le fait que nous ne saurons jamais pourquoi cet amour de la peinture nous emporte nous les peintres, comment nous avons été capturés. Nous avons souvent honte aujourd’hui de dévoiler notre amour, ce n’est pas très tendance.

Je vous présente mon ami(e), mon compagnon, ma copine, mon ex…, mais qui ose aujourd’hui présenter l’amour de sa vie ?

Tomber amoureux n’est plus de mise, car tomber est une maladresse, ce n’est pas un acte volontaire, contrôlé, c’est une faiblesse, le résultat d’un moment d’inattention, d’une perte de contrôle. Est-ce tolérable de nos jours de perdre le contrôle ?
Aujourd’hui, on se lâche, il y a là un acte volontaire, c’est une concession que nous nous accordons.

Thoma Ryse

Juillet 2006

Art Which Reposes in the Shanghai MOMA (June 2006)

2006-06-24T21:42:00.000+08:00

2007 Dashanzi International Art Festival

2006-05-24T21:54:00.000+08:00

2006-05-24T21:10:00.000+08:00

CIGE 2006 (Beijing)

2006-05-02T01:01:00.000+08:00

To Deepen My Colour

2006-05-01T03:45:00.000+08:00

Acrylic & varnish on aluminium - 26 X 32 x 7 cm - 2006

Imagine Gallery Exhibition (Beijing)

2006-05-01T03:42:00.000+08:00

Exhibition in progress

2006-05-01T03:01:00.000+08:00

CIGE 2006 Advertisement in NY Arts Magazine

2006-03-11T18:52:00.000+08:00

2006-03-10T18:25:00.000+08:00

Thoma preparing the CIGE 2006

Hong Kong Feeling

2006-03-08T10:07:00.000+08:00

I have attempted in this book to highlight moments of extreme coincidence between my work and fleeting impressions that I have of the city. Often, a shape, a colour, a combination of images or some isolated picture or smell has touched me, like the sight of some friend seen on the street.

2006-01-04T19:14:00.000+08:00

Wall installation #2 for the China International Gallery Exposition 2006

2006-01-04T19:13:00.000+08:00

Wall installation #1 for the China International Gallery Exposition 2006

2006-01-03T22:59:00.000+08:00

Sincerite

2006-01-03T22:58:00.000+08:00

Temps retrouve #1

2006-01-03T22:57:00.000+08:00

Temps retrouve #2

2006-01-02T01:49:00.001+08:00

Ousia � (2) � acrylic on canvas � 90 x 130 cm � 2005

2006-01-02T01:49:00.000+08:00

Ousia � (3) � acrylic on canvas � 90 x 130 cm � 2005

2006-01-02T01:40:00.000+08:00

Utopia � acrylic on canvas � 100 x 120 cm � 2005

2005-12-18T01:30:00.000+08:00

Season's Greetings!

How can we make the most of life?

2005-10-17T20:43:00.000+08:00

Shouldn’t the only question we ask ourselves be: how can we make the most of life?

In the general confusion that characterises our era, this question has become increasingly difficult to answer. Everything that makes us anxious, stressed or aggressive, and which often makes us reject the world we live in today, is no doubt the result of our poor representation of it.
Our unease comes from what we do not manage, or do not wish, to leave behind the Newtonian vision of the universe, reassuring in that it is fragmented, mechanistic and determined. We are, instead, forced to follow in the steps of physicists and accept a world based on chaos, uncertainty and randomness.

But why should we fear chaos?

To accept the idea that the world is a living, evolving thing even more complex than we could have imagined, that the existing permutations are not immediately comprehensible, that each parameter may have a determining influence on the evolution of the entire system* is to open the door to exuberant creativity, bestowing humankind with increased responsibility and power in how the world operates.When working on these three paintings, I tried to infiltrate chaos.
Within the exhilarating, stimulating and poetic world of chaos, I strove to discover an order that might be furrowed away in the apparent disorder.

On my search for harmony, I relied on personal reflection as well as serendipitous coincidence, and on the work of Henri Matisse, that grand master who dedicated his life to creating luminous paintings as a hymn to life itself.

I drew on some designs from his paper cutouts and, as when using my computer, I cut, copied and pasted (symbolically speaking) all these elements with a view to singing the beauty and hope that resides in chaos.

*Edward Lorenz illustrates his theory (1961) with a well-known image: A butterfly’s fluttering wings in Rio, amplified by the atmosphere’s movements, can set off a tornado in Japan two weeks later.

2005-10-17T20:40:00.001+08:00

En pensant a Matisse

2005-10-17T20:40:00.000+08:00

En pensant a Matisse

2005-10-17T20:39:00.000+08:00

En pensant a Matisse

Drawing Room Gallery Inspiration

2005-09-20T08:19:00.000+08:00

Ces dessins de dimensions 57 x 76 cm ont été réalisés pour la galerie Drawing Room.

Le papier est un superbe papier au torchon Arches de chez Canson d'un grammage de 640g au m2. Ce papier est quasiment impossible à retrouver aujourd'hui. J'ai acheté ces feuilles en 1977 à une imprimerie d'Art qui fermait ses portes. Le papier avait déjà une trentaine d'années.

Le papier ne fait pas tout mais je suis très attaché à ce matériau sensuel, d'une grande noblesse et qui se conserve particulièrement bien.

2005-09-20T08:18:00.000+08:00

Acrylic on Paper #1

2005-09-20T08:17:00.000+08:00

Acrylic on Paper #2

2005-09-20T08:15:00.001+08:00

Acrylic on Paper #3

2005-09-20T08:15:00.000+08:00

Acrylic on Paper #4

2005-09-20T08:14:00.003+08:00

Acrylic on Paper #5

2005-09-20T08:14:00.002+08:00

Acrylic on Paper #6

2005-09-20T08:14:00.001+08:00

Acrylic on Paper #7

Mon Jardin Breton

2005-09-18T09:24:00.000+08:00

Il ne peut y avoir plus grand contraste entre la fraîche tranquillité de ce cadre à la luminosité accérée, et la fébrilité humide et voilée de Hong Kong.

Ce jardin aujourd'hui est très grand, mais l'amour du jardin me vient d'un jardin minuscule, celui de mon enfance chez mes grands-parents. Ce jardin de banlieue qui cachait une minuscule maison, était très ordinaire si l'on se réfère à nos actuels critères. Il n'était pas encore le temps où chaque parcelle de gazon se cache derrière une rigide rangée de conifères — un simple grillage suffisait à séparer deux parcelles d'intimité — frontière accueillante, escaladée, enlacée par les graciles bras du liseron dont les fleurs blanches annonçaient la fin du printemps et meublaient l'été durant de ses embrasses, rubans, pompons, ce filet métallique qui finissait par disparaître sous les prouesses de ses élégantes courbes aériennes.

Pas de palmiers, d'oliviers, de plantes exotiques — un lilas faisait notre joie — un vieux pommier nous fournissait en fruits à astiquer, avant de nous livrer en exclusivité, la douceur amère de leurs chaires blanches. Exclusivité à reconquérir chaque instant auprès de nos amis les oiseaux qui squattaient cette parcelle.

Etrange époque où le jardin de banlieue n'était pas encore façonné en rempart — en enceinte — pour tenir le voisinage à distance. Il est vrai que la paix était neuve et qu'un impétueux besoin de retrouver une pincée d'instinct de contemplation se faisait sentir. Cette enceinte privée pour tous ceux qui avaient été privés du monde, se rebatissait dans ce regard émerveillé posé sur les choses les plus simples. Les hommes comme les fleurs étaient avides de luminosité.

Je n'étais pas suffisamment familier avec la botanique pour nommer le liseron — volubilis ou iponés. J'ai appris bien plus tard que ses tiges tournaient toujours dans le sens des aiguilles d'une montre. Mais ce degré d'ignorance ne m'empêchait pas d'apprécier la fréquentation de cette ribanbelle de corolles satinées en entonoir — unis autant que je me souvienne pour les blanches — éclairées d'un oeil blanc pour les bleues, violettes ou pourpres.

J'ai toujours fait de la fidélité une vertu cardinale et je me dois de reconnaître que le liseron c'est toujours montré à mon encontre d'une fidélité exemplaire. J'ai souvent changé de jardin, mais ce dernier m'a toujours suivi, et encore aujourd'hui, il ne renonce pas à me démontrer sa vitalité.

Ces quelques oeuvres inspirées de mon jardin me reposent de cette agitation rencontrée à Hong KongLes champs, les parcelles ordonnés par la main de l'homme, cette empreinte humaine fragile et prompte à disparaître en l'absence de soin. Cette troublante et esthétisante connivence entre l'homme et la nature cache en réalité une lutte sans merci. Qui gagnera ? Nous n'en savons rien. Ce nuage blanc épais qui traverse la campagne ?

Et l'on voudrait me faire croire que tout ceci est abstrait, mais c'est au contraire d'un réalisme outrancié, rien n'est masqué, c'est l'exacte représentation de mon jardin.

2005-09-18T09:20:00.000+08:00

Garden feeling (1) - 30 X 100 cm - acrylique sur toile - 2005

2005-09-18T09:19:00.000+08:00

Garden feeling (2) - 30 X 100 cm - acrylique sur toile - 2005

2005-09-18T09:15:00.000+08:00

Garden feeling (3) - 30 X 100 cm - acrylique sur toile - 2005

2005-09-18T09:13:00.000+08:00

Garden feeling (4) - 30 X 100 cm - acrylique sur bois - 2005

2005-09-18T09:10:00.000+08:00

Au jardin de Matisse - 30 x 100 cm - acrylique sur toile - 2005

The Soul of Color

2005-07-17T17:45:00.000+08:00

You trained as a graphic artist. How has this influenced your work as a painter?

In training as a graphic artist there is sense of formality to the making of art. I feel that one is constrained by this and certain traditions and expectations of the art form. For me the influence of my training as a graphic artist was to break away from it. So that my painting is much freer in the expression of color, forms, and an overall aesthetic where I feel that I am breaking rules to make something fresher, more immediate, more intuitive.

Your art is thoroughly abstract. The immediate impressions of it are of great energy and a richnes of color and flowing lines. Why have you been drawn to abstract painting?

To be free. To break the boundaries of classical rules. For about 20 years I was a representative painter trying to imitate the great masters. This was, for me, the best way to learn and to train my eye, but I didn’t feel free in any way. This is why I gradually turned to abstraction. For me even represetative art is abstract art at some level because it is just the choice of an artist to represent the world around them. It cannot really be objective. So I abandoned the limitations of representative painting for the freedom of abstraction. I did this in a time when abstract art was not fashionable. This gave me even more freedom.

Having looked at some of your recent work of the past three years or so, it has struck that your abstraction has the tone and energy of the artists of the CoBrA group.

It is certainly possible to look at it that way but I have to say that I have never consciously been influenced by the CoBrA artists. I do like their work, particularly the power of their forms and the dynamic of their colors and the rawness of their perception.

In some of your recent work there seems to be a strong influence of collage. It reminds one of some of the late work of Henri Matisse. Indeed you have called a recent series En Pensant à Matisse. Why have you been drawn to his art?

To me it is a model of energy. I was especially thinking about his last works which were collage and done when he was seriously ill and could no longer paint. To me this work is an example of the optimism of making art and of an individual’s value and affirmation of life. This is why I wanted to insert, in some of my work, some suggestions of his last collages.

Has China played a role in your most recent work?

Yes. Especially the use of red and yellow. In Europe artists don’t use these colors very often. It was a challange for me to use it in my own way. I have done this without any symbolic significance since I do not have any real knowledge of how the Chinese use these colors in their aesthetic.

Are there colors which you find difficult to use?

I find it hard to use black. In Europe it is associated with death. At the same time, I like black because it gives great value to other colors. So I very often use it even though it is difficult.

You have recently begun to work in the three-dimensional by painting on boxes of varying sizes and shapes. You have called this series Volumes. Is this a new departure aesthetically for you?

Yes. For several years now I wanted to do more than just something that was two-dimensional. But this doesn’t mean that I have abandoned the two-dimensonal. The physical reality of the three-dimensional is very interesting for me because when I am working within the two-dimensional form I am already using my whole body. In working with different size boxes I feel this action of using my body is even more involved. The space in which I am working with the boxes is very different from that of standing in front of a painting. The whole space becomes like a canvas. There is a real physical pleasure in using my body for it is as if I am actually in the painting, a part of it.

What are the visual and color challenges for you when you began to make your Volume series on boxes?

To confirm that painting can be shown in different ways, not only on gallery walls. So why not on the floor or on boxes. I am also showing that painting can be made outside the traditional surface of a canvas and still function as painting. I am trying to open up my forms without doing sculpture. To me working on the Volume series is still painting but the sensibility of the three-dimensional, even some place on which people can sit and take a rest. In this way people can be in direct contact with my work. In a gallery you are not allowed to touch the paintings.
I often use industrial colors. Working with such colors gives me the opportunity to be more involved with the actual process of painting. If I use traditional artists’ colors from a tube and use a brush I feel distant from the actual process of making art. Making art for me is not only an intellectual activity but also a physical one. So I often use my hands and feet, plastic bags and cloth, pieces of wood, everything really which allows me to apply the paint on my surfaces. I feel in this way I have come to reveal a different poetic sensibility in my work.

You are working in a world where new media seems to be gradually dominating many areas of the art world. Do you ever feel that your own art is out of step with the times?

No. Painting is not dead as too many people seem to believe. It is not outmoded. Funnily enough more and more emerging artists around the world are using painting as well as new media through which to express their visions of the world. I am not painting to be against other media but because it is a truly enjoyable way of making art from myself. In my graphic work I was using computers and video. I wanted to break away from that because it seemed to me to be too cold. I didn’t feel that I was physically enough involved.

Besides painting you also draw in pencil and charcoal. What aesthetic differences exist for you between drawn and painting?

In many ways drawing for me is more spontaneous than painting. It is a link with the past. It is an art form in which you cannot lie. Drawing for me is often a more intellectual process than painting but at the same time it is a total exploration for where I am trying to discover new forms. What I like in drawing is that it is something very fundamental where I am using just a pencil or a piece of charcoal. For me a drawing is something which has to be realized in a single day. The finished work is a direct result of my feelings. Although this is also true in my paintings, but I think that the major difference between the two forms is in the immediacy of making the work.

How do you see the future development of your painting? Do you think that you might move away from abstraction?

Why not. I don’t think so at this time. I am not against this because one changes as a person and the world changes around one. If one day I felt that represntative art was the most adequate way in which to transmitt my feelings and vision of the world I would do it. I would like to be able to make bigger paintings because I want people to be confronted by the work and absorbed by the painting. Here the painting is not just a window for the viewer’s imagination but it should become a part of their imagination. I would like people not just to be shocked visually but also physically.

Copyright - Ian Findlay-Brown, 2005

2005-07-17T14:16:00.000+08:00

Thoma in Asian Art News

2005-07-17T13:28:00.000+08:00

Thoma in Talkies Magazine

2005-07-17T13:27:00.000+08:00

Thoma in Zip Magazine

2005-06-28T08:33:00.000+08:00

Thoma Ryse in The Standard - Home Magazine